Quatrevingt-treize

Commençons par une évidence : il est impossible de restituer sur la scène d’un théâtre toute la profondeur de la réflexion sur le sens de l’Histoire que contient le roman de Hugo Quatrevingt-treize, pas plus que sa splendeur littéraire. Aussi Marion Bierry s’en est-elle tenue à sa trame narrative. Mais là aussi il y a un défi à relever : le roman a une dimension épique. Comment représenter sur scène la bataille de Dol ou le mystérieux bâtiment féodal de La Tourgue, qu’il faut des pages à Hugo pour décrire ? Et a fortiori sur la scène du Poche Montparnasse, qui n’est pas vaste, comme son nom l’indique !

La metteuse en scène aurait pu faire appel à la vidéo, mais elle a préféré s’en tenir aux fondamentaux scéniques : des panneaux de toiles peintes, de belles lumières, une musique lyrique qui souligne les grands moments, quelques voix off, une troupe resserrée mais qui sait se démultiplier… et l’imagination du spectateur. Le pari, osé, est tenu : une fois la situation exposée (pour cela les personnages se font parfois narrateurs), on entre dans l’histoire, on est capté -à l’exception de la fameuse réunion entre Marat, Danton et Robespierre, que l’adaptation ne pouvait pas omettre, mais à laquelle manque le caractère quasi mythique que lui donne Hugo.

Marion Bierry exploite le potentiel dramatique (voire mélodramatique) du roman, qui est plein de confrontations et aussi de suspens. Le décor, quoique sobre, y concourt : les panneaux représentant des ciels sont une échappée vers la nature, nous rappelant qu’on n’est pas loin de l’Océan, mais on peut aussi se cacher derrière eux, comme dans les bosquets de cette Bretagne propre aux embuscades. Il suffit qu’un fusil en dépasse pour qu’on imagine une brigade prête à attaquer.

Bien sûr, dans une adaptation d’une heure trente, les personnages ne sont que des figures sans grande complexité, mais ce n’est pas trahir Hugo, qui les conçoit comme de pures allégories : Lantenac est la féodalité, Cimourdain la loi, La Flécharde la maternité, etc. Quand d’excellents comédiens leur prêtent un corps, une voix, l’allégorie s’humanise : intéressés par les enjeux idéologiques, nous sommes aussi touchés. La distribution est la grande force de ce spectacle. Pour n’en citer que deux, Paméla Ravassard est bouleversante en Michelle Fléchard, Thomas Cousseau, avec son physique ascétique, est un Cimourdain idéal, glacial et frémissant.

La salle se laisse prendre et des « Oh ! » indignés lors de la scène du tribunal ont montré, ce soir-là, que certains spectateurs découvraient la fiction et que le spectacle n’est pas réservé aux seuls mordus du roman hugolien.